La peinture moderne désigne une multitude de styles et de mouvements, en rupture ( deuxième rupture après celle de l'impressionnisme et de la période de transition qu'a constitué le néo-impressionnisme) avec les règles esthétiques de la peinture de la Renaissance et de la peinture classique (voir les articles précédents).

La peinture moderne proprement dite commence après la première guerre mondiale jusqu'aux années 1960 qui marquent le début de l'art contemporain. Ce demi-siècle est une permanente évolution de la modernité.

On peut considérer  que l’art moderne est né en 1907 avec les « Demoiselles d’Avignon » de Picasso pour s’achever au milieu des années 60 avec le Pop Art qui voit se constituer les racines de l’art et du vocabulaire de l’art actuel dit « art contemporain ».

(Voir le cubisme et le fauvisme en cliquant ici : période du 19è et d'avant 1914) qui sont les prémices de l'art moderne.

L'art moderne se définit par le style et le choix des sujets. Il se développe dans le contexte du recul de l’académisme des beaux-arts au profit du rôle grandissant des galeries qui deviennent les maîtres à penser du marché de l’art. L'obsession de la  « modernité » née au milieu du XIXème siècle, qui touche les institutions, l'art de vivre, les mœurs... entraîne dans le domaine des conventions artistiques une rupture avec les catégories traditionnelles : collages, techniques mixtes, peinture acrylique se développent alors.
Les « avants-gardes » se constituent, rassemblant des artistes voulant  défendre leur point de vue artistique.

 

Je ne ferai que survoler une partie de l'art moderne, tant la peinture y est foisonnante. Je ne survolerai que des peintres que j'ai souvent vu lors d'expositions à la Fondation Maeght,fondation dont je pense modestement que les peintres exposés ont dû compter dans ce 20ème siècle, et aussi pour moi, donc avant d'essayer d'aborder la peinture contemporaine  j'ai pu entrevoir celle-ci dans les musées  où j'ai pris quelques photos ou bien que nous avons vu dans la presse, lors de grands évènements ou lors de leur disparitions.

 

- Kandinsky

Vassily Kandinsky (Vassili Vassilievitch Kandinski), né à Moscou, le 4 décembre 1866 et mort à Neuilly-sur-Seine le13 Décembre 1944, est un peintre russe et un théoricien de l’art.

Considéré comme l’un des artistes les plus importants du xxe siècle , il est le fondateur de l'art abstrait :
il est généralement connu comme étant l’auteur de la première œuvre non figurative de l’histoire de l’art moderne, une aquarelle de 1910 qui sera dite « abstraite ». Certains historiens ou critiques d'art ont soupçonné Kandinsky d'avoir antidaté cette aquarelle pour s'assurer la paternité de l'abstraction sous prétexte qu'elle ressemble à une esquisse de sa Composition VII de 1913.

Le début du 20ème siècle est caractérisé par une évolution :

  • de la couleur (Fauvisme-1905, Expressionnisme);
  • de la forme (Cubisme-1907, Futurisme-1909) et surtout
  • de la pensée: l'esthétisme traditionnel est contesté, la psychanalyse se développe, et on commence à étudier le subconscient.

    Ces évolutions aboutissent à partir de 1910, à l'apparition de l'art abstrait
    . ( ou 1913) :


    Longtemps considérée comme la première œuvre abstraite ,
    puisqu’elle est signée et datée de 1910 par Kandinsky,
    avec au dos l’inscription "aquarelle abstraite",
    cette aquarelle, estime t-on aujourd’hui,
    serait plutôt une esquisse pour une huile sur toile,
    Composition VII, achevée à l’automne 1913.



    Moscou (1916)

    Il s'agit d'un art qui se concentre sur la couleur, la forme
    et la composition.  Kandinsky définit 3 catégories :
  • Les impressions librement inspirées par la nature
  • les improvisations, nourries de l'expérience acquises lors des impressions,
  • les compositions qui concrétisent les enseignements précédemment accumulés.

    L'objectif de l'art abstrait est la création individuelle et originale, non pas d'après la nature, il ne s'agit pas d'imitation. Mais, en effet, comme l'a dit Wassily Kandinsky il s'agit d'une “véritable œuvre d'art, d'un sujet autonome, qui respire par l'esprit”,
    c'est une nécessité intérieure qui a poussé l'artiste à créer cette œuvre :

 

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Cercles dans un cercle (1923-Kandinsky)

 

Vassily Kandinsky, Jaune-rouge-bleu, 1925

Les années russes et le Bauhaus : de l'abstraction lyrique à l'abstraction géométrique

En 1914, Kandinsky est forcé de rentrer à Moscou. Les années de guerre sont pour l'artiste synonymes de difficultés matérielles et morales. À la suite de la révolution bolchévique, il intègre les instances culturelles officielles de la Russie communiste, mais en 1921, quitte le pays avec son épouse Nina, pour accepter d’enseigner au Bauhaus de Weimar.
Au contact des théories du Bauhaus, la peinture de Kandinsky s'oriente alors nettement vers l'abstraction géométrique. L'artiste publie en 1926 Point, ligne, plan où il expose sa théorie et sa didactique de l'art.

Les dernières années parisiennes

En 1933, les œuvres de Kandinsky sont condamnées par le régime nazi : l’artiste et son épouse s'exilent en France, à Neuilly-sur-Seine, où il mourra en 1944 après avoir obtenu la nationalité française.
Ses dernières toiles d'une grande gaieté, inspirées par Miro, explorent une abstraction biomorphique foisonnante, qui évoque une atmosphère irréelle peuplée d’êtres microscopiques.

Composition IX (1936) - Kandinsky

- Miro

Joan Miro est né en 1893 à Barcelone.
Il s'inscrit à l'académie Gali en 1912. Attiré par l'effervescence culturelle parisienne de l'époque, il vient s'installer dans la capitale en 1920. Il y rencontre les mouvements dada et surréaliste mais va rapidement trouver son propre style.
Lors de la guerre d'Espagne (1936-1939), il soutiendra les Républicains, ce qui lui vaudra d'être interdit de séjour dans son pays jusqu'en 1942.
   
Voici l'un de ses tableaux les plus connus:

Miro Joan - Singing Fish

Singing Fish

Il voyage pour la première fois aux États-Unis en 1947, pays qui lui voue déjà une grande reconnaissance, et réalise un panneau mural à Cincinnati, pour le Terrace Plaza Hotel.
Il participe également cette année-là à l'Exposition internationale du surréalisme organisée par André Breton et Marcel Duchamp à la Galerie Maeght à Paris.
La Fondation Maeght lui a consacré une rétrospective en 2009 et est très présent tant à l'extérieur qu'à l'intérieur de ce lieu où le jardin est très rafraichissant et accueillant dans l'été méridional.

- Marcel Duchamp

Fontaine est un ready made , c'est-à-dire un  objet "tout fait ", autrement dit une idée que Marcel Duchamp a eu de « choisir » un urinoir industriel en vue d'une exposition d' art moderne au lieu de faire une  sculpture de ses mains. L'objet original est un simple article de sanitaire acheté dans un magasin de la société J. L. Mott Iron Works, à New York.  Marcel Duchamp a ajouté à l'aide de peinture noire l'inscription « R. Mutt 1917 ». Ce qui est très poche de "Mott !"

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La réplique exposée au Musée d'art moderne du centre Georges Pompidou, réalisée en 1964, est un urinoir en faïence blanche recouverte de glaçure céramique et de peinture. Ses dimensions sont 63 x 48 x 35 cm. Il comporte la signature « R. Mutt » et la date « 1917 » à la peinture noire ainsi qu'une plaque de cuivre, fixée sous l'urinoir, portant l'inscription : « Marcel Duchamp 1964 Ex. / Rose / FONTAINE 1917 / Edition Galerie Schwarz, Milan ».

Kazimir MALEVITCH

Kazimir Malevitch est né à Kiev en 1878. Mort d'"un cancer à Leningrad, en 1935,  il fut, avec Kandinsky et Mondrian, L’un des fondateurs et des théoriciens de l’art non figuratif. Il fait des     études d’abord à Kiev puis, au début des années 1900, à Moscou, à l’École de peinture, de sculpture et d’architecture.

A partir de 1915 en effet, il s'engage dans l'art abstrait. Il présente pour la première     fois en 1915 à Saint Petersbourg, dans une exposition intitulée "0,10", qui fait scandale, des tableaux composés de  multiples formes géométriques sur des     fonds blancs. Il invente le "suprématisme", qu'il expose dans un manifeste,     dans lequel il écrit que le primat en tout est l'émotion, et que celle-ci doit être au     dessus de toute autre considération artistique, et hors même de la réalité.

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MALEVITCH
, «  La moisson », 1911-1912 :
primitivisme
, géométrisation, thématique sociale.

- Fernand Léger :

Fernand Léger, Joconde aux clefs (1930)

Il peint en 1909,"la couseuse" qui ouvre sa période cubiste très influencé par Cézanne. Léger propose un cubisme personnel. Il impose un cubisme visuel et réaliste.
A cause d’une maladie pulmonaire, il part chez son ami Henri Viel en Corse.
De retour à Paris, il s’installe à la Ruche, et rencontre Robert Delaunay, Alexandre Archipenko, Chaïm Soutine, Marc Chagall, Henri Laurens, Blaise Cendrars, Amédeo Modigliani.

Robert Delaunay (1885 à Paris-1941 à Montpellier)

En 1910, influencé par le Cubisme, Robert Delaunay réduit sa palette de couleurs jusqu'au monochrome, puis, sous l'influence de Sonia, il réintroduit la couleur. Avec Sonia Delaunay , il crée le simultanéisme, basé sur la loi du contraste simultané des couleurs.

La série des Fenêtres (1912) annonce la naissance de l’orphisme. « J’eus l’idée à cette époque d’une peinture qui ne tiendra techniquement que de la couleur, des contrastes, mais se développant durant le temps et se percevant simultanément, d’un seul coup » (Delaunay).
Il élabore une méthode personnelle et peint les Disques et les Formes circulaires (1912-1913) en faisant l’expérience de regarder fixement la lune et le soleil. Le tableau traduit les impressions imprimées par la lumière sur sa rétine.


Fenêtres simultanées (1912)
« Je construisais des tableaux qui paraissaient des prismes...j'étais l'hérésiarque du Cubisme... Je pense que les Fenêtres marquent ce qu'Apollinaire appelait la peinture pure, comme il a cherché la poésie pure, une date »

 


La tour Eiffel de Robert Delaunay
en 1926.

- Sonia Delaunay (née en 1885 à Gradijsk près d'Odessa en Ukraine - décédée en 1979 à Paris).

Tous deux  (Robert et elle) étaient fascinés par la recherche sur la couleur d'Eugène Chevreul, chimiste du XIXe siècle qui publia en 1839 sa théorie sur les relations entre les couleurs dans De la loi du contraste simultané des couleurs.

Ils fondent en 1911 un mouvement pictural, l'Orphisne.
Ce mouvement est déterminant de l'art du XXe siècle.
Il se caractérise par l'utilisation de couleurs vives et des formes géométriques.
Le travail de Sonia s'applique à la peinture, la fabrication textile, la céramique…
Le terme d'orphisme a été proposé par Guillaume Apollinaire, lors de la publication de ses Méditations esthétiques en 1912, pour caractériser certains aspects de la peinture d'avant-garde. À cette date, cinq ans après Les Demoiselles d'Avignon, le cubisme apparaît à Apollinaire comme « écartelé » en quatre tendances divergentes.


Sonia Delaunay (1916)
donné au Centre G.Pompidou par Sonia en 1960

 

- le surréalisme (Magritte, Dali, Chagall...)

Le village et moi Reproduction d'art

Chagall (1938)                         Chagall - (1944)

C'est au départ un mouvement littéraire qui voit le jour à Paris, avec André Breton comme chef de file.
André Breton écrit "le manifeste du surréalisme"en 1924, publié en 1925.
Ce mouvement explore l'irrationalité et l'absurde et les jeux littéraires dont les techniques font appel à l'émergence spontanée du langage de l'inconscient comprenant le hasard et les effets automatiques.
Deux tendances émergent :
- l'automatisme lyrique et abstrait ( dans lesquels on peut ranger Miro)
- l'imagerie onirique absurde sur un mode naturaliste (Dali, Magritte).

Dali (1904 -1989)

Salvador Dali (1904-1989) - Girafe en feu - 1935 -

(0,35 m x 0,27 m)

Magritte développera alors un certain intérêt pour le cubisme notamment, mais il sera surtout passionné et inspiré par l'œuvre de De Chirico, peintre italien contemporain (voir plus bas).
Plus tard, en 1927, il décide de se rendre en France, à Paris plus précisément. Il fréquentera le milieu du surréalisme fondé. Il fera, de ce fait, la connaissance de Paul Eluard, Joan Miro et de Salvador Dali.

Ce séjour, ne sera pourtant pas fructueux puisque René Magritte rentrera déçu, en 1930, de ce qu'il aura appris du surréalisme parisien. Décidé, ainsi, à rester en Belgique, il se sentira bien mieux auprès des surréalistes belges.

Mais bien que René Magritte ne s'expatrie pas, il a un succès international.

Magritte, figure majeure du surréalisme, dont l’œuvre, en près d’un quart de siècle, n’a cessé de gagner en importance et en résonance. Depuis ses débuts décisifs, en 1925, jusqu’à sa mort, en 1967, peintures, gouaches, dessins, collages, photographies témoignent de la profusion et de l’évolution de la pensée créatrice de Magritte, fondée sur une interrogation constante des concepts de réalité et de représentation, sur l’analyse des relations entre ce que la peinture donne à voir et ce qu’elle signifie, sur le questionnement des rapports entre les mots et les images, les objets et leur représentation, pour susciter chez le spectateur le « sentiment du mystère ». Pour Magritte, eu effet, « le mystère n’est pas une des possibilités du réel, le mystère est ce qui est nécessaire pour qu’il y ait du réel ».

http://nsm.uh.edu/~dgraur/Images/magritte.redmodel.jpg 

        Magritte "le modèle rouge"  (1935)  ***   Dali -"Atavisme du crépuscule", vers 1933-1934

 

La-Memoire-c-1948

La mémoire 1948 - Magritte

Vestiges atavique après  la pluie - Dali 1934    


http://culturvista.files.wordpress.com/2009/08/20040624-magritte.jpgMagritte : "Pluie d'hommes qui s'abat sur la ville"


  Les œuvres de René Magritte sont de bons exemples surréalistes parce que les sujets dans ces tableaux montrent un aspect typique et important du surréalisme. Cela c’est le thème de la juxtaposition des choses qu’on ne s’attend jamais à voir ensemble.

Salvador Dali (1904-1989) Peintre espagnol, surréaliste, célèbre pour ses moustaches et ses œuvres originales. Il collabore aux films de Luis Bunuel : Un chien andalou et l'Âge d'or en 1929 et 1930.

Peintures oniriques et fantaisistes, telles que les Montres molles, les Girafes en flammes, le Temps qui s'écoule. Sa peinture se situe souvent entre académisme et provocation.


http://imagecache5.art.com/p/LRG/21/2148/YTGCD00Z/rene-magritte-la-reproduction-interdite-c-1937.jpg
La reproduction interdite (1937) Magritte

La "Reproduction interdite" a été peinte par René Magritte en 1937. Le tableau montre un homme de dos regardant qui ne reflète pas le visage de l’homme mais son dos. Cette toile signifie que le tableau n'est pas un miroir qui reproduit les apparences du monde mais un miroir qui produit tout ce qu'il veut, y compris le dos des choses, leur face cachée.
Magritte nous montre qu'il ne faut pas confondre la peinture avec un art servile de la reproduction.


Au XXe siècle les surréalistes, pour protester contre « l'art établi » détournèrent le tableau. Monna Lisa se vit affublée d'une moustache par Salvador Dali, et par Marcel Duchamp sous le titre L.H.O.O.Q. , reçut une pipe dans la bouche, chevaucha une moto, fut déguisée en ange de la mort, en chien ou en sirène...

http://3.bp.blogspot.com/_M7cvXEsoRzk/SUhMlNaIXgI/AAAAAAAAA48/kv4aGym7Log/s400/Autoportrait+en+Mona+Lisa,+Dali,+1954.jpghttp://3.bp.blogspot.com/_M7cvXEsoRzk/SUhMlNaIXgI/AAAAAAAAA48/kv4aGym7Log/s400/Autoportrait+en+Mona+Lisa,+Dali,+1954.jpg

Dali abandonne le cubisme en 1922 pour s'intéresser à l'école métaphysique de la peinture dirigée par Giorgio Chirico

- Expressionnisme abstrait (Pollock, Rohtko...).

D'après l'encyclopédie Larousse :
"L'Expressionnisme abstrait", également connu sous le nom d'  "école de New York ", et plus communément (mais à tort) sous celui d'Action Painting (" Peinture gestuelle "), fut le premier mouvement authentique d'art abstrait né aux États-Unis et qui obtint une audience internationale. Pratiqué pendant près de vingt ans, il donna naissance à des courants analogues en Europe, au Japon et en Amérique du Sud (l'Informel, le Tachisme). Mais la source en est spécifiquement américaine, et New York son berceau. Les deux principaux éléments formels de l'Expressionnisme abstrait étaient constitués alors par les styles opposés de l'Abstraction postcubiste et du Surréalisme, qui s'étaient développés à Paris et qui avaient attiré l'attention d'un petit groupe d'artistes américains audacieux, de 1925 à 1950 environ. L'expérience amère de la crise des années 30 et le bouleversement de la Seconde Guerre mondiale sont le troisième facteur qui intervint dans l'origine du mouvement. Bien que le Régionalisme et la scène de genre soient déjà considérés, aux États-Unis, comme le style " moderne ", pendant la crise de très sérieux artistes s'unirent au nom du F. A. P. (Federal Arts Projects) et à la W. P. A. (Works Progress Administration) et s'intéressèrent aux réalités de la vie américaine, prenant conscience, à divers degrés, des problèmes sociaux. Cette expérience collective explique le contenu émotionnel et humain de l'Expressionnisme abstrait, bien qu'il ne faille pas le confondre avec ses réalisations elles-mêmes. Un quatrième facteur, d'importance capitale, fut la présence à New York de plusieurs grands artistes parisiens, ayant cherché un refuge aux États-Unis à la suite de l'agression nazie (Mondrian, Léger, Masson, Ernst, Breton, Matta, Kurt Seligmann et même Dalí), qui exercèrent une énorme influence au début des années 40. Enfin, le double exemple des abstraits et des surréalistes aboutit à quelque chose de tout à fait nouveau  en 1945.

Pollock - •  Ocean Greyness, 1953

 

 Mark Rothko. N ° 5/No. 24. 1948

Rothko -Untitled,1948,
Collection of Kate Rothko Prizel

 

- Le Pop Art

Le pop art est un mouvement artistique qui trouve son origine en Grande Bretagne au milieu des années 1949.

Un peu plus tard, au tout début des années 60, c'est au tour du Pop art américain d'émerger, avec Andy Warhol. C'est surtout la branche américaine va populariser ce courant artistique devenu majeur, en questionnant la consommation de masse, de façon agressive. Il s'agit principalement de présenter l'art comme un simple produit à consommer ; éphémère, jetable, bon marché...

                                   Soupe Campbell I (Tomate) 1968 - Andy Warhol

              Marilyn 1967 Bleu - Andy Warhol

              Trois Drapeaux 1958 - Jasper Johs


 

Inclassables ou oubliés  ( Hopper, Soutine, Klee, Mondrian, De chirico, Klimt...Picasso)

http://netmadame.free.fr/culture/franck/hopper/fichiers/hopper4.jpg

Nighthawks, 1942 (Hopper)

 

 

Soutine - Paysage de la Gaude (1923)

 

- Bacon, Paul Klee

Francis Bacon       http://beeartblog.files.wordpress.com/2009/02/paul-klee-pic-1.jpg

       Paul Klee

- Paul Klee (1879 - 1940)

Né en Allemagne (naturalisé Suisse) près de Berne dans une famille de musiciens, Paul Klee est initié très jeune à l’art et à la musique. Il étudie l’art à l’Académie des Beaux-Arts de Munich, puis, après un voyage en Italie, il  rencontreentre autres pein,tres Vassili Kandinsky.
En 1914, lors d’un voyage en Tunisie, Klee est très impressionné par la qualité de la lumière et des couleurs, et restera marqué par cette vision. Il utilise alors de nombreux types de médiums, huile, aquarelle, encre, qu’il combine souvent dans ses œuvres.
Souvent associé à l’expressionnisme, au cubisme ou au surréalisme, l’œuvre de Klee est en réalité difficile à classifier.
La géométrisation des sujets, la recherche de perfection dans la matière et la couleur sont sublimées par le souci de préserver l’intuition. Les œuvres plus tardives se caractérisent par de rapides symboles hiéroglyphiques.

Après la Première Guerre mondiale, Klee enseigne, aux côtés de Kandinsky, au Bauhaus, puis, à partir de 1931 à l’Académie de Düsseldorf, avant d’être renvoyé en 1933 par le parti nazi pour son art jugé «dégénéré». L’artiste retourne alors en Suisse, et, très atteint moralement, souffre de sclérodermie et meurt à Muralto en 1940, à l’âge de 61 ans.

- Piet Mondrian (Film you tube en cliquant dessus.)

- De Chirico, klim

http://www.ecole-art-aix.fr/IMG/jpg/GiorgioDeChiricoPizaaDItali.jpg

Piazza d'Italia de De Chiricco                         Gustav Klimt (Les trois Gorgones-1915)

- Dufy

casino de la jetée promenade

1924 Raoul Duffy : la jetée et la promenade à Nice

Ce palais sur la promenade des Anglais à Nice n'existe plus. Il appartient au Nice fantasmé. Il fut le lieu de toutes les fêtes. On y donnait des concerts. Les défilés de mode et les manifestations d'élégance de l'aristocratie des riches hivernants anglais et russes voyaient s'y bousculer une foule cosmopolite.
Il a été peint un nombre considérable de fois par Raoul Dufy, autre amoureux de ce palais mauresque monté sur pilotis. Il le reproduisit encore longtemps, de mémoire, après sa démolition sur ordre de l'occupant allemand.

 

- Picasso

D' après encyclopédie Larousse :
Peintre le plus célèbre du XXe s., il n'a cessé jusqu'à son dernier souffle de poursuivre une œuvre déroutante et surabondante, ni d'alimenter les controverses comme aucun autre artiste ne l'a fait. Tenu par beaucoup pour l'incarnation même de l'esprit malin acharné à ruiner la tradition artistique, il n'était plus cependant, dans les quinze ou vingt dernières années de sa vie, considéré par les nouvelles générations artistiques comme participant encore de l'avant-garde.
Les profonds bouleversements qu'il avait introduits tant dans la sculpture que dans la peinture avaient, par une suite de réactions en chaîne, abouti à de telles conséquences qu'en comparaison la récente activité de Picasso pouvait passer pour confortable et conservatrice. Toutefois, cela n'enlevait rien de leur importance révolutionnaire aux années 1907-1914 ou 1926-1934 de sa production, ni à la contribution décisive que fut la sienne au cubisme, puis au surréalisme. Picasso avait seulement cessé d'être un véritable chef de file pour devenir un symbole lointain, sans lien réel avec les problèmes de l'art dans la seconde moitié du XXe s.

 Fichier: Peinture murale del Gernika.jpg

"Guernica"(1937)

Guernica est une des œuvres les plus célèbres du peintre espagnol Pablo Picasso. Il la réalisa à la suite du bombardement de la ville de Guernica, le 26 avril 1937, lors de la guerre d’Espagne.

Guernica est une œuvre de dénonciation contre la violence et de protestation contre la barbarie de la guerre.

- Matisse

Bien que l'influence des néo-impressionnistes ait persisté pendant plusieurs années dans la peinture de Matisse, celui-ci n'en abandonne pas moins dès l'été de 1908, le principe de la touche fragmentée dont il redoute le côté systématique. Se libérant de toute référence à une technique quelconque il travaille en se guidant uniquement d'après la couleur. Posée en de larges aplats, selon des touches allongées d'une extrême spontanéité, celle-ci éclate avec allégresse et intensité, aussi bien dans ses paysages que dans ses portraits. La perspective, le modèle, les dégradés disparaissent.

Dans Gil Blas d'octobre 1905, le critique Louis Vaux invente le terme " fauves " pour qualifier ce groupe d'artistes qui déclenche polémiques et railleries et dont Matisse est considéré comme le chef de file. Le mot fera fortune et fournira par dérivation le nom de baptême du fauvisme.

Le succès de scandale de cette manifestation entraîne l'achat par les Stein de la Femme au chapeau, une des plus controversées des toiles présentées au salon des Indépendants. C'est le début d'un collectionnisme qui portera en quelques années les côtes de Matisse à un niveau très élevé et le placera au centre du débat artistique contemporain.

Le style de Matisse s'affirmera désormais à travers la simplification des lignes et de la gamme chromatique. Renonçant délibérément à la troisième dimension Matisse va se consacrer à exalter uniquement la couleur, cet " instrument privilégié de la communication de l'émotion ".

Encouragé dans cette voie par l'exemple de Gauguin, comme lui il emploie de larges cernes pour délimiter ses formes. Mise entièrement au service de sa sensibilité, sa peinture ne vise point à dépeindre ce qu'il voit mais à donner l'image de ce qu'il ressent. En cela la démarche du peintre se réfère plus à l'art oriental qu'à la peinture occidentale.

Pendant l'été 1905, Derain rejoint Matisse à Collioure, un village de pêcheurs proche de la frontière espagnole. Tous deux peignirent les mêmes motifs - notamment le clocher de l'église - dans un esprit de compétition amicale. La Catalogne, en ce début de siècle, est un extraordinaire creuset où se retrouvent Gauguin, les arts primitifs, les artistes roussillonnais, la lumière affolante. Picasso ne s'y trompera pas qui, trois étés de suite, s'installera à son tour dans le Roussillon, entraînant avec lui Braque, Max Jacob, Juan Gris…

Matisse, cet homme du Nord, né dans une région de ciel bas, de paysages plats fondus dans la même grisaille, est émerveillé devant le spectacle du petit port adossé aux contreforts pyrénéens, devant l'explosion des couleurs sauvages, la fusion de la mer et du ciel, les soleils jaune et rouge des crépuscules du matin et du soir. Pour son œil c'est aussitôt la fête. L'état de grâce rencontré à Collioure ne l'abandonnera jamais.

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Porte-fenêtre à Collioure - 1914

Avec cette toile peinte à Collioure à l'automne 1914, Matisse propose une image   d'un dépouillement radical, confinant à l'abstraction. C'est dans ce sens que   l'œuvre a été interprétée lorsqu'elle fut présentée pour la première fois,   bien après la mort de l'artiste, lors d'une exposition itinérante aux Etats-Unis   en 1966. Toutefois, comme certains éléments l'indiquent, cette peinture reste   liée à la représentation, avec toute la sensualité et l'émotion qui s'attachent,   chez Matisse, au thème de la fenêtre.